Chapitre 3 - 1866 1927 - Recherches (28/??) Avant la 1^ère Guerre Mondiale (3/??) 1) Victor Herbert (1859-1924) (3/???) 1.C) 1903-1912: la décennie créatrice (2/??)

1.C.6) «Mlle. Modiste» (décembre 1905)  OEUVRE MAJEURE

Avec Mlle. Modiste (), Victor Herbert et le librettiste Henry Blossom ont commencé à faire passer l’opérette américaine à un niveau supérieur. Même s'il s'agissait d'une comédie, l’œuvre avait un sous-texte sérieux: la position des femmes dans la société contemporaine.

L'histoire se déroule à Paris. La jeune Fifi (Fritzi Scheff) travaille dans une chapellerie appartenant à Mme. Cecile (Josephine Bartlett). Elle espère que Fifi, travailleuse acharnée, épousera son fils Gaston (Leo Mars), un peintre sans le sou. Mais Fifi est amoureuse du Capitaine Etienne de Bouvray (Walter Percival). Son oncle Henri de Bouvray, le comte de St. Mar (William Pruette), désapprouve cette alliance à cause de la basse position sociale de Fifi. Pendant ce temps, l’ambition de Fifi est d’apparaître sur scène et le millionnaire américain Hiram Bent (Gillingwater) accepte de financer sa carrière. Un an plus tard, notre héroïne revient à Paris en tant que star d’opéra de renommée internationale, chante au bal de charité organisé dans le domaine du comte et, bien sûr, le comte n’a plus aucune objection à l’union de son neveu et de la star de l’opéra.

Gustav Klemm, secrétaire musical de longue date d’Herbert, témoigne que ce dernier avait longtemps été frustré dans ses tentatives de créer des œuvres intégrées. Dans une lettre à son biographe Isaac Goldberg, Klemm rappelle le dégoût d’Herbert pour les compositions "chanson et danse" et souligne le rôle des éditeurs de musique comme force motrice derrière la banalisation continue du théâtre musical américain. La vente de partitions "élaborées" est beaucoup moins rentable.

 

Et Herbert, dans une interview du Philadelphia North American, souligne lui-même le souvenir de Klemm:

Même si Herbert oppose ici comédie musicale et opérette, il définit magnifiquement l'enjeu de la création d'une nouvelle forme artistique qui sera ce que nous appelons aujourd'hui le 'musical'. Et cet enjeu passe par une intégration totale des trois formes d'expressions - théâtre, musique et danse - dans une seule histoire racontée. Il faudra encore attendre de nombreuses années, et Show Boat ou bien sûr Oklahoma!, pour y arriver parfaitement.

Que voulaient Herbert et Blossom quand ils ont écrit Mlle. Modiste? Rien de moins que de présenter sur scène les problèmes auxquels sont confrontés les êtres humains à cause des stéréotypes sociétaux rigides. Les distinctions de classe et le snobisme mettent en évidence l'exploitation des employeurs vis-à-vis de leurs employés. De plus, un programme protoféministe est au centre de l’œuvre: une femme orpheline forcée de survivre grâce à des salaires de misère, mais dotée d’un esprit individualiste et combatif triomphe de toutes les restrictions induites par son genre féminin. Elle parvient à se libérer du rôle totalement stéréotypé dans lequel on l'a enfermée, pour devenir un être humain à part entière, à la fois en tant qu’artiste et femme. Au rideau final, elle est passée d’une pauvre vendeuse à une femme mature qui a gagné la reconnaissance et le respect. Et a épousé l’homme qu’elle aime. Et elle fait tout à sa façon.

Mlle. Modiste, écrit en 1905, est un reflet des enjeux sociaux du monde contemporain dans lequel il se situe. À cet égard, il est clairement un précurseur de Show Boat, qui se concentre sur les problèmes de métissage et d’iniquités raciales. J. P. Swain a presque raison quand il affirme que "les opérettes plus sérieuses de Victor Herbert ... ont offert l’intégration cohérente de l'intrigue et de la musique qui manquait à la comédie musicale", mais il se trompe quand il conclut que les textes "ont empêché tout effet dramatique significatif en plaçant l’histoire loin de l’expérience réelle du public. Ce sont généralement des fictions historiques ou des contes de fées... et ils impliquent des héros déguisés, des personnages inventés et autres... Le public était fasciné, mais rarement ému."

Cette dernière affirmation est un raccourci superficiel et inexact des intrigues et des lieux utilisés par Victor Herbert. En plus, cette attaque que l'on peut faire sur les opérettes ou aujourd'hui sur les 'musicals - parlant de héros déguisés ou de personnages inventés - personne n'oserait la faire sur une œuvre issue du 'grand opéra' comme Cosi fan Tutte, l'œuvre d’un génie émouvant dont l’intrigue repose totalement sur une série de déguisements et de fausses identités.

En outre, certaines œuvres d'Herbert se déroulent à l'époque de leur création, comme c'est le cas de Mlle. Modiste, se déroulant dans le Paris de 1905. Ses personnages s’habillent comme son public. Les problèmes représentés sont ceux d’une société contemporaine. Mais beaucoup d’autres œuvres d’Herbert sont contemporaines à leur public.

Blossom et Herbert savaient ce qu’ils faisaient et, le soir de la Première, leur inquiétude était pleinement justifiée.

 

Remarquons que, dans cette interview, Herbert parle de lui-même comme un "auteur" non pas comme d'un "compositeur". Sa pensée était orientée vers la création d’une expérience théâtrale totale.

 

H. W. Parker, dans le Boston Evening Transcript, a su apprécier cette profonde modification. Il vaut la peine de le citer en détail.

 

En bref, Herbert et Blossom ont initié en 1905 la percée théâtrale que Kern et Hammerstein ont renforcée avec Show Boat deux décennies plus tard.

Mlle. Modiste est l’un des plus grands succès de la saison 1905-1906 à Broadway: 202 représentations au Knickerbocker Theatre pour sa première série. Moins de trois mois après sa fermeture, le spectacle a été repris toujours au Knickerbocker Theatre pour 22 représentations supplémentaires, soit 224 représentations au total pendant l’année de lancement à New York. La partition étincelante était l’une des meilleures d’Herbert et contenait de nombreux délices, dont le "Kiss Me Again" à l’aspect toujours vert, qui a servi de titre pour la version cinématographique de l’opérette de 1931.

L’œuvre a également été un succès personnel pour Fritzi Scheff, la soprano du Metropolitan Opera qui avait fait ses débuts à Broadway dans Babette de Herbert. Mlle. Modiste est réapparu à Broadway en 1907, 1913 et 1929 avec Scheff dans les trois productions. La première reprise a été présentée au Knickerbocker le 9 septembre 1907, pour 21 représentations, et les membres du casting original étaient William Pruette et Claude Gillingwater; la seconde a été donnée au Globe Theatre à partir du 14 juin, 1913, pour vingt-quatre représentations et de nouveau Gillingwater; et la troisième a ouvert le 7 octobre 1929 au Jolson Theatre (puis transféré au Casino) pour 48 représentations.

Fritzi Scheff a fait sa carrière avec Mlle. Modiste. Elle a tourné pendant des années. Dillingham a dissous la compagnie et en a formé une autre en 1913. À cette occasion, le Times a fait remarquer qu' «elle n’avait jamais perdu l’impression qu’elle avait créée dans ce divertissement extrêmement populaire». Au fil des années, elle avait grandi dans le rôle. Et les critiques ont remarqué: «Le jeu de Miss Scheff semble avoir pris un ton plus profond, de sorte que l’émotion qu’elle exprime a l’air sincère.»

Des années plus tard, Scheff se souvient des bons et mauvais moments.

 

Comme d’habitude, c’est Herbert qui a eu le dernier mot. Dans un discours de rideau à l’occasion du revival, il a fait remarquer quelle joie c’était d’être «ravivé» - avant que l’on soit déclaré mort.

1.C.7) «The Red Mill» (décembre 1905)  OEUVRE MAJEURE

 

 

 

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Malheureusement, ce serait le cas avec la plupart des collaborateurs littéraires d'Herbert et c'est certainement pourquoi la plupart de ses spectacles ne sont plus joués de nos jours, même si beaucoup écoutent encore sa musique … débarrassée des textes.

Dans The March of the Toys (La Marche des jouets), Mitchell remplit la scène de jouets en mouvement, y compris des soldats mécaniques grandeur nature. Babes in Toyland () sera repris (1905, 1929, 1930), filmé deux fois (1934 & 1961), sera capté pour la TV (1986) et meêm transformé en dessin animé par la MGM (1997). Le meilleur de la partition reste familier, y compris la ballade Toyland, une réminiscence nostalgique de l'enfance qui met en garde: «Une fois que vous quittez ses frontières, vous ne pouvez jamais revenir à nouveau.»

Le succès a permis à Herbert de présenter des compositions plus ambitieuses. À première vue, Mlle Modiste () (1905, 202 représentations) est une histoire du type de Cendrillon au sujet de Fifi, une vendeuse parisienne qui devient une célébrité de l'opéra en gagnant en plus le cœur d'un jeune noble. Cela parait kitsch – cela l’est un peu – mais les magnifiques mélodies d'Herbert donnent à ce joyau négligé un charme intemporel. Henry Blossom a fourni au compositeur des paroles bien meilleures que d’habitude, y compris la déclaration comique d'un libertin vieillissant: I Want What I Want When I Want It. La soprano viennoise Fritzi Scheff a été saluée dans le rôle-titre, en particulier en chantant If I Were on the Stage, un trio de brefs airs qui culminent par l'envoûtante «Kiss Me Again».

Plutôt que de se limiter à l'opérette ou à la comédie musicale, les partitions d'Herbert combinaient souvent des éléments des deux genres. The Red Mill () (1906, 274 représentations) est l'histoire d'une troupe américaine de vaudeville échouée en Hollande, où ils aident une jeune fille dont l’amour avec un garçon local est contrecarré par son père bourgmestre. Avec Montgomery et Stone (deux stars du Vaudeville qui avaient déjà triomphé dans le The Wizard of Oz de 1902), les gags visuels abondaient: Stone faisait son entrée en tombant d'une échelle de 6 mètres.

Herbert a écrit aux jeunes amants des duos d'opérette comme The Isle of Our Dreams et Moonbeams, mais a écrit pour Montgomery et Stone le tube de comédie musicale The Streets of New York. Sur une musique de valse, les paroles de Blossom rappellent Ned Harrigan de la meilleur époque:

De même, Victor Herbert a aussi jeté un pont entre l'opérette et le grand opéra dans sa partition de Naughty Marietta () (1910, 136 représentations).

Commandé par l’agent d’Oscar Hammerstein I, il a été adapté aux talents de deux stars de l'opéra. Emma Trentini jouait Marietta, une aristocrate italienne qui évite un mariage imposé en 1780 en fuyant dans une colonie, la Nouvelle-Orléans. Là, elle tombe amoureuse du soldat mercenaire américain Dick Warrington, joué par le ténor Orville Harrold. Les amants doivent composer avec le fils du gouverneur royal, qui s'avère être un pirate meurtrier!

Tout est résolu lorsque Warrington complète la mélodie de rêve inachevée de Marietta, Ah Sweet Mystery of Life. L'air enthousiaste d'Herbert sauve les lourdes paroles signées Rida Johnson Young:

Acceptable pour les amateurs de théâtre en 1910, ce langage semble maladroit aujourd'hui. Ah Sweet Mystery of Life a eu le «malheur» de devenir une blague dans Young Frankenstein (1974), le film de Mel Brooks. En conséquence, il est maintenant presque impossible pour le public d’aujourd’hui de prendre au sérieux cette chanson autrefois populaire. Et pourtant, près de 90 ans après sa création, deux chansons de Naughty Marietta () (I'm Falling in Love With Someone et Ah, Sweet Mystery of Life) vont être réutilsées dans un musical moderne à succès Thoroughly Modern Millie () (2002) à Broadway.

Naughty Marietta a créé une formule à succès que la plupart des opérettes américaines vont adopter pour les deux décennies suivantes :

• Un cadre historique et/ou exotique.
• La musique compte le plus.
• La romance est l'ingrédient principal, pas le sexe.
• L'héroïne doit être indécise; le héros fidèle et macho.
• Une différence de classe (réelle ou imaginaire) entre les deux amoureux est préférable.
• Superbes décors et costumes.
• L'humour est nécessaire, mais le suspense de l’intrigue est centré sur la romance.

Herbert – grand buveur au large appétit – était un bon vivant mais il avait un bon sens des affaires. Lorsqu'il s'est rendu compte qu'il n'avait pas perçu un sou de droit d’auteur lorsque les orchestres des restaurants où il mangeait, jouaient sa musique, il a co-fondé l'American Society of American Composers, Authors and Publishers (ASCAP), la première organisation à protéger et à garantir les droits des auteurs-compositeurs.

La plupart des spectacles d'Herbert sont aujourd’hui oubliés, mais sa musique vaut toujours la peine d'être écoutée. Alliant sophistication européenne et esprit de plaisir américain, liant opérette et comédie musicale. Ce que Herbert a initié, sera poursuivi par Jerome Kern, Richard Rodgers, Leonard Bernstein, et Frederick Loewe.

Homme en bonne santé tout au long de sa vie, Herbert est décédé subitement d'une crise cardiaque à l'âge de 65 ans le 26 mai 1924 peu de temps après que son dernier spectacle, The Dream Girl (), aie commencé les pre-Broadway Try-out à New Haven, Connecticut. Il ne le verra jamais à Broadway. Il a été enterré dans le cimetière Woodlawn dans le Bronx, à New York City.

Herbert et sa musique sont célébrés dans le film de 1939, The Great Victor Herbert, où il a été interprété par Walter Connolly et qui a également présenté Mary Martin. Il a également été dépeint par Paul Maxey dans le film de 1946 Till the Clouds Roll By. De nombreuses œuvres d'Herbert ont été transformées en films et sa musique a été utilisée dans de nombreux films et émissions de télévision.

En 1940, le service postal américain a inclus Herbert dans sa série de timbres "Famous Americans". Pendant la Seconde Guerre mondiale, le navire Liberty SS Victor Herbert a été construit à Panama City, en Floride et nommé en son honneur.

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Suite

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ANNEXE) Importance de «Mlle. Modiste» dans l'histoire des musicals

Pour appuyer le fait qu'à son époque, Mlle. Modiste fut une rupture aussi importante que Show Boat le fut à la sienne, il est nécessaire d'argumenter.

Mlle. Modiste est une histoire contemporaine qui se situe dans le monde de 1905. La première scène présente une image de la distinction des classes sociales: des filles travaillant dans un magasin de chapeaux attendent une riche Américaine. Le texte met l’accent sur la superficialité de la mode ainsi que sur le style de vie des filles.

Les solistes, qui attendent une riche cliente américaine, rêvent, d'un jour, pouvoir s'offrir de tels chapeaux.

 

Cette ouverture présente à la fois la diversité des classes sociales et les mauvaises conditions de travail des femmes. Bien que l’ambiance musicale soit vive (marquée "allegro spumante!"), la scène est centrée sur un problème social, tout comme "Ol' Man River" remplit la même fonction dans Show Boat. Herbert aimait travailler contre les stéréotypes dans ses compositions, plongeant fréquemment un texte dans une musique d’humeur opposée. Ce genre de sarcasme musical est souvent utilisé dans Mlle. Modiste, surtout dans "Kiss Me Again"

Il s’ensuit un dialogue entre Mme. Cécile, la propriétaire de l’atelier, et ses deux filles, Fanchette et Nanette. Fifi, la Mlle. Modiste du titre, est absente parce que personne ne s’attendait à ce que Mme Cecile revienne au magasin si tôt. "Je suppose que quand je ne suis pas là, il n’y a pas de travail fait !" s’exclame-t-elle. Le trio qui suit, When the Cat's Away, renforce et développe le dialogue et grandit naturellement à partir de lui.

Nous apprenons dans la scène suivante que Fifi est la meilleure vendeuse du magasin, mais qu’elle rêve de devenir quelque chose d'autre, de mieux. "Je parie qu’elle traîne encore autour de l’opéra, regardant les répétitions," commente Mme Cecile, méprisant ainsi les rêves de Fifi de faire une carrière d’opéra. L’opéra, bien sûr, est un monde pour les classes supérieures; les vendeuses n’ont pas leur place là-bas. Mme Cécile ne tarde pas à exposer son plan à elle pour l’avenir de Fifi: "Elle est très indépendante maintenant, mais tout cela sera différent quand je serai sa belle-mère." Cette réplique à elle seule est une expression manifeste de l’antagonisme à laquelle sont confrontées les femmes de l'époque: rêver d’indépendance ou se couper les ailes par la voie typique de l’époque: le mariage. Et, clairement, ce sera le cas is Fifi se marie avec Gaston, le fils de Mme Cécile. Cette dernière est très claire: «Dès qu’elle sera mariée, elle sera mienne! Elle vivra ici et je ne lui paierai plus rien du tout." Les filles de Cécile répondent que Gaston est un "artiste" et qu’il fréquente la haute société. Il n'acceptera jamais de s'abaisser à épouser une simple vendeuse.

Une fois encore, les problèmes de classes sociales sont mis en évidence.

À ce moment, Etienne, l’amoureux de Fifi, entre, la cherchant. Il est capitaine dans l'armée française et membre de la noblesse, il est le Vicomte de Saint-Mar. Mais la réplique qu’il prononce indique un changement imminent dans les distinctions sociales rigides de l’époque. Etienne avoue son amour pour Fifi dans la belle chanson qui suit, « The Time and the Place and the Girl », et déclare « je la ferai sortir de cette vie dès que j’en aurai les moyens », autre référence à la classe et à la richesse comme des déterminants sociétaux.

 

Après le départ d’Etienne, Mme Cécile s’efforce de marier Fifi à son fils le plus vite possible. On suppose ici, bien sûr, que Fifi n’a rien à dire. Quelque temps plus tard, le vieux Comte de Saint-Mar, l’oncle d’Etienne, arrive avec la sœur d’Etienne, Marie. Ces deux personnages représentent la haute société. Marie est une snob et dit à son oncle que le fait qu’Etienne traîne dans un magasin de chapeaux "est un scandale public". Elle est en outre contrariée qu’Etienne ait amené son propre fiancé au magasin pour "se mélanger avec ces créatures vulgaires" - encore un peu de snobisme de classe. Quand elle dit au Comte qu’Etienne veut épouser Fifi, le Comte répond : "Nous allons mettre fin à cela." Il menace de priver Etienne de sa dotation et de le déshériter. Puis ils sortent, laissant la place libre à la première apparition de Fifi.

Un jour, alors qu’elle est seule dans la boutique, un riche et excentrique promoteur de théâtre américain, Hiram Bent, entre. Fifi, l’esprit libre, ressent une affinité naturelle pour ce self-made man inculte. En fait, c’est un millionnaire américain, un homme sans apparence ni prétention, qui se fout des distinctions de classe, et qui est le véritable héros de la pièce. Au début, le dialogue ne reflète pas les qualités de Fifi.

 

Lorsque Fifi et Hiram Bent se connaissent mieux, elle apprend qu’il est riche et qu’il a pris la voie difficile; que sa devise est "ne jamais abandonner". L’Américain devient son âme sœur et l’encourage. Mais sa réponse révèle à quel point le rôle de la femme dans la société de 1905 est restreint:

 

Hiram lui demande ce qu’elle préfèrerait faire, et Fifi lui parle de son rêve d’une carrière sur scène. Elle a confiance en elle, mais croit que cela ne suffit pas: il faut de l’argent et des relations.

Hiram loue sa confiance en elle mais Fifi lui répond qu’elle a plus que cela: elle a du talent.

Fifi lui parle de l’ambition de sa vie. Cela se déroule dans une scène relativement élaborée en trois parties. Dans cette scène, Fifi joue devant Hiram Bent trois types de rôles très différents, ce qu'elle aimerait pouvoir faire lors d'une audition pour montrer l'étendue de son talent, si on lui en donnait l’occasion. C’est aussi une chance pour elle de montrer son mépris et son attitude envers trois couches bien distinctes de la société:

 

On retrouve bien trois catégories de femmes:

1. une fille simple, une laitière, qui accepte son rôle dans une société stratifiée;
2. une femme de la haute société qui aime plaire à des gens sur qui elle a du pouvoir;
3. une femme dont le seul but est d'être une femme qui peut se réfugier dans les bras de son mari pour être embrassée.

Toute la scène est l’occasion pour Fifi de rejeter, en chanson, les trois rôles que la société valide pour les femmes. Mais autant le public a compris la critique des deux premiers personnages, il a pris "Kiss Me Again" au premier degré. Il l’a compris comme une expression tendre et aimante. On est très loin des intentions de ses créateurs.

En guise de conclusion à ce passage, il est intéressant de savoir que "Kiss Me Again" finira par être interprété comme les auteurs l'avaient prévu. Mais il faudra attendre la reprise de la chanson par Fanny Brice dans les Ziegfeld Follies de 1917.

Suite à cette longue scène où Fifi fait preuve de son talent à Hiram Bent, ce denier achète plusieurs chapeaux et, par un subterfuge, s'arrange pour que Fifi accepte un prêt substantiel pour l’aider à lancer sa carrière. Après le départ du millionnaire, Mme. Cecile déclare: « Cette chipie devient trop indépendante de sa moitié. » Pour elle, il n’y donc plus de temps à perdre pour la marier à son fils Gaston. Gaston, par contre, se révèle être un bon à rien, un fils à maman, un légume qui vit de la générosité de sa mère. L’image de la superficialité de son personnage est exprimée à la fois dans le dialogue et dans la chanson qui suit, "Love Me, Love My Dog."

Mme. Cécile lui dit qu’il n’aura plus d’argent s’il ne consent pas à épouser Fifi. Gaston dit à sa mère que Fifi aime Etienne. Elle lui répond:

 

S'ensuit une scène entre Gaston et Fifi, à partir de laquelle on peut voir qu’il est impossible qu'ils soient en couple. Mais ils décident que la meilleure chose pour les deux serait de rester "juste de bons amis". Cette chanson est l’une des plus charmantes dans la partition, mais, malheureusement, elle a été coupée de la production originale. Il s’agit d’un numéro de vaudeville "chanson et danse" - ancien style donc, pas vraiment "intégré". Herbert et Blossom ont eu l’inspiration d’utiliser une forme musicale superficielle pour refléter la nature superficielle de la relation. Il s’agit d’un merveilleux moment scénique, qui mériterait d'être réintégré à la partition.

Ensuite, Etienne revient pour un moment privé avec Fifi, où elle exprime son mécontentement général.

La scène est interrompue par l’apparition du Comte et de la sœur d’Etienne. Le Comte, en colère, exige de rencontrer Fifi. Etienne la présente comme son amour. Le Comte la regarde avec incrédulité. Fifi n’est pas intimidée par sa grossièreté.

 

Il est intéressant de noter que le librettiste Henry Blossom met en valeur les qualités admirables de Fifi en construisant un drame dans lequel ses deux prétendants potentiels, Gaston et Etienne, dépendent tous deux de leurs familles pour leurs revenus. Fifi se porte à son secours:

 

C'est alors que Mme Cécile déclare que Fifi va épouser son fils Gaston, mais Etienne lui propose de renoncer à tout, à son argent et à sa position; il lui offre même de travailler! Fifi rejette alors le rôle traditionnel de la femme dans le mariage.

 

Attention, nous sommes en 1905! Fifi est une femme qui refuse de se laisser entretenir.

Mme. Cecile en rajoute une couche en disant que, si Fifi ne veut pas épouser son fils Gaston, elle est virée de la chapellerie. Et bien, Fifi décide de s'en aller! Mme Cecile dit que c'est un mensonge, qu'elle ne partira pas. Fifi confirme que ce n'est pas un mensonge.

 

Ce qui nous amène à la décisive fin du premier acte. Au début de la chanson, Fifi a un passage qui n’est rien de moins qu’une véritable déclaration d’indépendance prononcée par une femme malheureuse et prise au piège dans un monde régi par les privilèges et les rôles sociaux déterminés par le sexe et la classe.

Fifi Oh, how I've dreamed of this day! The day when the word should be spoken. For now I am free! 'Twas destined to be: The spell of the past is broken. Now I go out in the world. The future unknown is before me. But hope is my guide, What e're may betide I'll rejoice in knowing my life's my own.

All but the Count and his niece beg her to stay. Fifi leaves, but her voice is heard offstage reflecting on how often she has dreamed of this moment of freedom. She returns to get the hat box, and has a moment of hesitation: "Have I the heart to go?" Here the stage directions in the original script emphasize the power of the mo- ment. "Etienne makes an attempt to embrace her but she evades him and runs upstage as the Count steps forward to interfere." Fifi has made her decision before the Count makes his move. She opens the hatbox to find the card with the address to which it is to be delivered. She reads it and finds it is for her; as well as a check for 5,000 francs that Hiram has included to help her reach her goals. The point is that she makes her decision before she is aware she has the means to carry it out. She exits in triumph.

This was the original concept, and was the finale as performed at the premiere. Before the publication of the score it was decided that Fifi's declaration of independence was too blatant and incendiary, too much of a feminist statement for audiences in 1906. Blossom revised his text to convey a much more conventional sentiment. Not Fifi, but Etienne is given the first solo:

Etienne No. She shall not go alone For I will protect and watch o'er her. And if she'll repent [!] And give her consent I'll wed her—for I adore her. This patronizing convention is then echoed, Gilbert and Sullivan style, by the chorus. The remainder of the finale is unchanged except for one subtle shift. In the origi- nal text, all characters address Fifi in the second person; in the revision all use the third person, thus subtly demoting her image from the personal to that of an object. In the finale Herbert introduces the music of "Kiss Me Again" as an underscore to Fifi's moment of hesitation. He also uses it as a postlude. By the end of the first act we have heard the music four times as a unifying element for the structure. But this is only part of the story. Herbert's handling of two major themes associated with Fifi is essential to the structure of the operetta and the two poles of Fifi's character: her loving quality and her demand for independence. On the tension between these two the whole musico-dramatic structure depends. The "Kiss Me Again" theme is used as the basis for the creation of a second theme that represents Fifi's "dream of freedom" or "dream of independence." The three- note diatonic scale-like motif, followed by an upward leap that descends to a lower neighboring tone, is the basic pattern. In "Kiss Me Again," this is all set against an unchanging tonic major. But in its transformation to the "Freedom" theme, the three-note group is reduced to a triplet.