Autant il est facile de définir le début du Golden Age par la révolution Oklahoma! (1943) – même si certain le situe à la révolution Show Boat (1927) – il est beaucoup plus complexe d’en fixer la fin. Quoi qu’il en soit, il est assez réaliste d’affirmer que le dernier succès du Golden Age est Fiddler on the Roof. Il y a encore eu après Fiddler on the Roof de nombreux musicals qui étaient des book musicals du type Golden Age mais qui furent des flops. On A Clear Day You Can See Forever, dont nous venons de parler, en est un bon exemple.
Rappelons ce qui avait caractérisé le musical du Golden Age depuis Oklahoma!:
- L’accent est mis sur une histoire que l’on raconte, c’est le livret qui est la colonne vertébrale du spectacle. Il peut bien sûr y avoir des histoire secondaires.
- L'accent est mis sur les personnages. Ils ont tendance à être décrits de manière réaliste, ce qui signifie que leurs actions sont le fruit de leur volonté. Ils ont un passé et un présent – et bien sûr un avenir – qui les relient aux autres personnages. Leurs actions sont généralement psychologiquement plausibles.
- La musique, les paroles et la danse sont écrites pour définir les personnages, les situations et/ou l'intrigue. Ces trois formes artistiques collaborent aux mêmes buts.
- Les dialogues parlés sont très importants dans ces musicals. Les personnages ont tendance à parler d’une manière globalement réaliste.
Les succès qui suivraient Fiddler on the Roof seraient majoritairement des nouveaux types de musicals. Bien que les «nouveaux musicals» aient toujours généralement un livret et que les personnages soient encore souvent ancrés dans une sorte de réalité, les histoires ont tendance à être moins bien structurées, les personnages moins complexes et l’importance du livret moins grande. Il y a diverses raisons à cela, notamment celles liées à l’évolution sociale et culturelle de l’Amérique et d’autres liées à la transformation du théâtre, en particulier de Broadway.
A) Une période de boulversements
Les années ‘60 ont été une période mouvementée aux États-Unis. La guerre du Vietnam, les manifestations, les sit-in et autres formes de désobéissance civile sur les campus universitaires, ainsi que les mouvements pour les droits civiques et les droits des femmes font partie du visage des Etats-Unis de la seconde partie des années ’60. Aux États-Unis – comme dans la comédie musicale Fiddler on the Roof – les traditions étaient remises en question, contestées et niées.
L'art reflète ce qui se passe dans la société et Broadway et ses artistes ont réagi à cette époque de troubles et de détresse avec des musicals comme Hair, Pippin, Godspell, Company et Cabaret. Leurs thèmes et structures étaient différents de ceux utilisés par les book musicals. Une bonne dose de commentaires sociaux concernant les événements et les situations de l’Amérique de l’époque ont tendance à constituer une partie importante de la plupart des comédies musicales. Et le public a réagi favorablement à cette tendance. Dans le même temps, l’histoire est devenue moins importante.
L’exemple typique est Hair (1968), un musical rock parlant d'amour tribal, qui est en fait une série de chansons et de sketches illustrant le mode de vie hippie, qui revendiquaient le fait de vivre librement leur amour et leur sexualité, s’intéressaient à diverses religions et philosophies orientales et utilisaient des drogues psychédéliques comme moyen de trouver un état spirituel plus profond. Le spectacle, après le Off-Broadway, a ouvert à Broadway en 1968, où il s’est joué 1.750 représentations.
La musique de Hair () était jouée par un petit groupe de rock avec un système-son rock and roll, jamais utilisé dans le théâtre musical auparavant. Il était aussi politiquement engagé comme jamais: il était un vrai manifeste contre la guerre du Vietnam. On est très loin de My Fair Lady ou même de West Side Story.
B) Les metteurs en scène et chorégraphes gagnent en pouvoir
Les metteurs en scène et chorégraphes qui, dans les années 1950, ont créé leur propre syndicat, ont commencé à acquérir davantage de pouvoir dans le théâtre et sont devenus partie intégrante du processus de création. Cela est dû en partie à des individus innovants et créatifs comme Hal Prince, Bob Fosse, Michael Bennett et Jerome Robbins. Dans les années 1960, les metteurs en scène et les chorégraphes jouaient un rôle aussi important dans l’élaboration de l’histoire et des personnages d’une comédie musicale que le librettiste, le compositeur et le parolier. Ironiquement, c'est l'intégration totale de toutes les parties du musical, y compris la chorégraphie, qui est en partie responsable de ce développement.
On est très loin du pouvoir total de duo tels Rodgers & Hammerstein, le symbole du Golden Age.
C) À la recherche de quelque chose de nouveau
Finalement, la toute-puissance du livret – qui fut une forme innovante à partir d’Oklahoma! – s'est tout simplement essoufflé. Cela ne signifie bien sûr pas la fin définitive de l’importance du livret, mais juste qu’il était passé de mode, pour un temps. Les artistes, et le public, avaient soif d’autre chose.
Pendant longtemps, ils furent nombreux à penser que le book musical, celui dans lequel tous les éléments se mélangeaient harmonieusement pour créer une œuvre d'art et qui était essentiellement fondée sur un livret fort, était l'incarnation de la perfection en ce qui concerne le théâtre musical. Sa forme ultime. Mais qui peut dire que c’est la perfection? Au milieu des années ’60, des musicals comme Oklahoma!, My Fair Lady, West Side Story et Fiddler on the Roof semblaient parfaits à certains mais terriblement ringards à d’autres. Mais les normes artistiques changent avec le temps et les goûts.
Il ne faut bien sûr pas oublier que la musique a profondément changé au milieu des années ’60. Pensons simplement à l’émergence du rock-n-roll dans les années ’50 qui allaient, par exemple déboucher sur la Beatlemania qui commence en 1963. Pendant plus d’une décennie, la plupart des compositeurs de Broadway avaient vaillamment ignoré le rock-n- roll, convaincus qu’il s’agissait d’une phase passagère. Ce qui n’est pas faux, mais le rock-n-roll a été suivi de variations plus « bruyantes ». Au milieu des années ‘60, les jeunes groovaient sur un rythme hard-rock battant, et Broadway qui fut pendant son Golden Age la voie royale du divertissement musical populaire, s’est soudainement retrouvé rétrogradé au rang de rue secondaire culturelle.
La vieille garde de Broadway avait toujours son sens de l’humour. Lorsqu’il a été confronté à un manifestant hippie sur un campus universitaire, le parolier et librettiste vétéran P. G. Wodehouse a plaisanté: « Pourquoi ne te coupes-tu pas les cheveux? Tu ressembles à un chrysanthème.» Mais il fallait plus que des plaisanteries pour remplir les théâtres, et avec des metteurs en scène et des auteurs établis incertains quant à la façon d’atteindre leur public autrefois adoré, la voie était ouverte pour de nouveaux talents et de nouvelles idées. Puisque les vieilles idées sur ce qui était bon ne s’appliquaient plus, être nouveau était suffisant pour mériter une attention professionnelle.
Les premiers succès musicaux rock sont nés off-Broadway. Your Own Thing (1968, 933 représentations) a adapté l’intrigue de la comédie de Shakespeare Twelfth Night, racontant l’histoire d’un groupe de rock nommé « Apocalypse ». Après deux ans et demi au minuscule Orpheum Theatre du Lower East Side, le spectacle a tourné puis a rapidement sombré dans l’oubli.
Un succès beaucoup plus influent avait été créé deux mois plus tôt au New York Shakespeare Theatre Festival. Un grand nombre de jeunes Américains s’opposaient à la guerre du Vietnam et qui exprimaient leur dissidence par des modes décontractées, de la musique hard-rock, de la consommation expérimentale de drogues, des attitudes sexuelles ouvertes et des cheveux longs étaient étiquetés comme des « hippies ». Hair était une « comédie musicale américaine tribale », une célébration libre de la contre-culture hippie. Les librettistes-paroliers Gerome Ragni et James Rado ont imaginé l’ombre d’un complot impliquant un jeune homme qui se délecte du rock et de la rébellion jusqu’à ce qu’il reçoive un avis de conscription de l’armée. Il rencontre un groupe de hippies ressemblant à une tribu qui chante sur des questions sociales aussi pointues que la pauvreté, les relations raciales, les drogues illégales, le Vietnam et l’amour libre – et c’est tout. Le spectacle est une explosion de colère, de protestation et de blasphèmes portée par une jeunesse qui dit ‘non’. Après huit semaines, la production déménage dans une discothèque abandonnée, puis subit d’importantes révisions avant de déménager au Biltmore Theatre de Broadway (1968, 1.750 représentations). Une grande partie de l’intrigue – qui n’a d’ailleurs aucune importance – a été supprimée (alors qu’elle est très présente dans le film tiré du musical), et de nouvelles chansons ont été ajoutées, ainsi qu’une scène où les membres de la « tribu » enlèvent leurs vêtements et sont nus sur scène pendant quelques secondes. La promesse de la nudité a amené les clients, dont la plupart étaient perplexes ou désarmés. « Good Morning, Starshine » et « Let the Sunshine In » sont devenus des succès en tête des charts, et « Aquarius » est devenu un hymne pour l’époque, proclamant une nouvelle ère paisible « où l’amour dirigera les étoiles ». Alors que Hair devenait un succès à guichets fermés, l’establishment de Broadway a paniqué. Exclu des Tony et la plupart des autres récompenses majeures (la partition de MacDermot a reçu un signe de tête du Drama Desk), le spectacle a tenu l’affiche près de cinq ans et a envoyé des « tribus » en tournée à travers les États-Unis et l’Europe. Broadway et la musique populaire étaient une fois de plus sur un terrain d’entente.
Le Golden Age était mort…