Le début des années ’40 n’étaient à priori pas le meilleur moment pour Broadway. Pas encore tout à fait sorti de la Grande Dépression provoquée par la terrible crise de ‘29, l’Amérique a rapidement été plongée dans la guerre avec le reste du monde : l’attaque de Pearl Harbor date du 7 décembre 1941. Comme nous l’avons vu, une des grandes victimes de cette crise fut le théâtre, avec seulement 72 productions en 1940-1941. Beaucoup de théâtres de Broadway avaient été transformées en salles de cinéma, et la télévision se profilait comme une concurrence supplémentaire. En 1948, le taux de chômage des acteurs de Broadway atteindrait le taux choquant de 80%.
Les professionnels du théâtre ont pensé que ce dont le public avait besoin à l’époque était de s’une évader de la réalité. Plus le divertissement serait léger, mieux ce serait. Irving Berlin, considéré comme le meilleur compositeur américain de l’époque, a fait de son mieux avec Louisiana Purchase (1940) et This is the Army (1942). Le public s’est réjoui de chansons telles que « I Left My Heart at the Stage Door Canteen » et « Oh, How I Hate to Get Up in the Morning », interprétées par Berlin lui-même.
Cole Porter a également était prolifique pendant cette période. Panama Hattie (1940) met en vedette Ethel Merman et devient le premier musicale de Broadway à se jouer plus de 500 représentations depuis les années ‘20. Let’s Face it (1941) met en vedette Eve Arden et Danny Kaye. Merman était de retour en 1943 avec Something for the Boys, un divertissement musical – pas très malin – près d’une base militaire qui a fonctionné pendant plus d’un an.
Mais d’autres, comme Richard Rodgers et Lorenz Hart, cherchaient un peu plus que cette frime. Ils ont présenté Pal Joey, dont le personnage principal est un vrai antihéros : il s’agit d’un arnaqueur qui s’enrichit en trompant une riche maîtresse. La nouvelle star Gene Kelly avait le rôle-titre, et la belle chanson romantique « Bewitched, Bothered, and Bewildered » fut le hit du spectacle. Même si le sujet avait un côté sordide, le public y a afflué pendant un an.
Ira Gershwin est retourné à Broadway après la mort de son frère George pour Lady in the Dark avec un livret de Moss Hart et une musique de Kurt Weill. Les interprètes principaux étaient Danny Kaye et Gertrude Lawrence – le plus long rôle de sa carrière. En 1942, la dernière création de Rodgers et Hart a ouvert ses portes : By Jupiter, avec Ray Bolger.
À ce moment-là, Hart avait sombré dans l’alcool. Rodgers lui a demandé de suivre un traitement afin qu’ils puissent travailler sur un nouveau musical. Hart refusa et partit au Mexique. Rodgers a alors commencé à collaborer avec Oscar Hammerstein II. Grâce à ce choix, le Golden Age du théâtre musical en Amérique allait commencer. Et c’est ce qu’il a fait en 1943, lorsque le rideau s’est levé sur le premier vrai musical : Oklahoma!.
Oklahoma! marque le début du Golden Age du théâtre musical américain. C’était aussi la première collaboration entre peut-être l’équipe de théâtre musical la plus extraordinaire du Golden Age – ou peut-être même de tous les temps – : le compositeur Richard Rodgers (1902-1979) et le parolier-librettiste Oscar Hammerstein II (1895-1960). Né à New York, Rodgers avait déjà une série de succès lorsqu’il a fait équipe avec Hammerstein. Né en Pennsylvanie, Hammerstein est issu d’une famille théâtrale distinguée. Il a d’abord collaboré avec Jerome Kern, produisant le grand succès Show Boat. Ensemble, Rodgers et Hammerstein ont tellement influencé le monde du théâtre qu’après 1943, presque toutes les musicals de Broadway ont incorporé la musique et la danse dans le cadre de l’histoire, sans s’en écarter.
Oklahoma! c’était un mélange parfait d’histoire, de musique et de danse comme jamais auparavant. C’était tellement bien fait que la plupart des spectateurs ne se sont pas rendu au moment même qu’ils regardaient quelque chose de révolutionnaire. Il a simplement coulé. Avec une intrigue étroitement construite, le livret suivait l’histoire en permanence au lieu d’utiliser le chant et la danse comme des éléments séparés. Dans les productions musicales antérieures, l’action de la pièce s’arrêtait littéralement pour une chanson ou une danse, puis reprenait là où la conversation s’était arrêtée. Mais maintenant, la chanson ou la danse affinait une conversation ou l’étendait ou la changeait. Tout était totalement intégré et, pour la première fois, la chorégraphie (d’Agnès de Mille) faisait réellement avancer l’intrigue.
La pièce que Rodgers avait voulu adapter en musical – d’abord avec Hart si son alcoolisme ne les en avaient pas empêché – était Green Grow the Lilacs, qui avait ouvert à Broadway en 1931 et fermé après 64 représentations. La pièce se déroulait dans le territoire indien (Oklahoma) de 1900 et mettait en vedette l’acteur de cinéma plutôt sophistiqué Franchot Tone dans le rôle d’un cow-boy appelé «Curly». La pièce Green Grow the Lilacs est largement oubliée aujourd’hui mais Oklahoma! est toujours l’un des musicals américains les plus populaires de tous les temps.
Mais au début des années 1940, personne n’était très intéressé à investir le moindre dollar dans cette adaptation de Rodgers et de son nouveau partenaire. Les raison en sont multiples :
- Hammerstein n’avait eu aucun succès à Broadway depuis les années 1930
- la pièce dont ils partaient, Green Grow the Lilacs, avait été à peu près un flop
- Rodgers était sans Hart pour la première fois
- c’était la première comédie musicale du chorégraphe de Mille
- il n’y avait pas de blagues racées
- les choristes n’apparaissaient que 45 minutes après le début du premier acte
Avant Broadway, le spectacle a été testé à New Haven (où son titre a changé de Away we go à Oklahoma), puis à Boston. Avant son ouverture pour de vrai, un point d’exclamation a été ajouté, ce qui en fait Oklahoma! Le musical a ouvert à Broadway le 31 mars 1943, avec des sièges vides au St. James Theatre, mais Rodgers et Hammerstein n’ont pas eu à s’inquiéter longtemps. À l’entracte du premier acte, ils savaient qu’ils avaient un succès. Tout le monde le savait.
Les critiques étaient tout simplement dithyrambiques. Le spectacle a été un triomphe – un nombre record de 2.212 représentations. Record ? Oui, si on compare à cela les deux des plus longs succès des années 1930: 441 représentations de Of Thee I Sing de George et Ira Gerswin (1931) et 440 représentations pour Anything Goes (1934) de Cole Porter. Okalhoma! a été le premier musical à remporter un prix Pulitzer (1944), une Special Citation in Letters attribuée à Rodgers et Hammerstein. Le musical a également battu tous les records existants au box-office.
L’histoire est simple. Laurey, une fermière, doit choisir d’aller danser avec Jud, l’ouvrier agricole qu’elle craint, ou Curly, le cow-boy qu’elle aime. Il s’avère que Jud est un meurtrier que Curley sera forcé de tuer en légitime défense. Un meurtre dans un musical? C’était du jamais vu, mais ça a marché…
Les chorégraphies d’Agnès de Mille ont contribué au succès. L’une des caractéristiques les plus novatrices du spectacle est un ballet de quinze minutes en fin de premier acte, le « Dream Ballet», au cours duquel Laurey, assoupie, essaie de décider quel homme choisir. Et tandis que les musicals des années ‘20 et ‘30 présentaient généralement une ou deux chansons mémorables, Oklahoma! renvoyait son public dans la rue avec plusieurs chansons inoubliables qui lui trottaient dans la tête: « Oh, What a Beautiful Mornin' », « The Surrey with the Fringe on Top », « I Cain’t Say No », « People Will Say We’re in Love » et, bien sûr, « Oklahoma ». Pour la première fois, la distribution originale a enregistré l’album d’un spectacle de Broadway, une pratique banale aujourd’hui. L’album s’est vendu à plus d’un million d’exemplaires.
Autre particularité : aucune star ne se trouve dans la distribution originale. La plupart se sont fait un nom grâce au spectacle, comme Alfred Drake par exemple qui a créé le rôle de Curley. Avec le temps, ces acteurs ont été remplacés par d’autres qui se sont également fait un nom à Broadway et dans des films, notamment Howard Keel, John Raitt, Shelley Winters et Florence Henderson. Les compagnies de tournée d’Oklahoma! ont joué partout aux États-Unis pendant les dix années ininterrompues et dans des pays étrangers. En fait, il a battu tous les records avec, par exemple, 1.151 représentations au Drury Lane Theatre de Londres.
Une note triste, au milieu de toute la jubilation de la soirée d’ouverture. Lorenz Hart était dans le public ce soir-là. Il était sobre pour assister au triomphe de son ancien partenaire. Il a été stupéfait par la réaction du public. Après cela, Hart a accepté de travailler sur une reprise de A Connecticut Yankee avec Richard Rodgers, mais le soir de la première, il est venu au théâtre totalement ivre. Il a été expulsé du théâtre pendant le deuxième acte. Quelques nuits plus tard, Frederick Loewe l’a retrouvé assis sur un trottoir par le temps glacial de novembre. Hart attrapa une pneumonie et mourut quelques jours plus tard à l’âge de quarante-huit ans.
Pourquoi Oklahoma! a-t-il eu autant de succès ? Pour la même raison qu’il inaugure ce Golden Age à Broadway: tous les éléments du spectacle – musique, paroles, ballet – étaient un mélange parfait. Et tous ces éléments avaient un lien direct et étroit avec l’intrigue. Que le Golden Age commence…
Rodgers et Hammerstein ont continué à tracer leur chemin dans les années ‘40. Ils ont reçu un Oscar en 1946 pour «It Might as Well Be Spring» dans la version cinématographique de State Fair. Mais leurs grands succès suivants à Broadway furent Carousel et South Pacific. Carousel a ouvert au Majestic Theatre le 19 avril 1945, juste en face du St. James, où se jouait encore Oklahoma!. Dans cette adaptation, Rodgers et Hammerstein avaient un problème différent de celui de leurs œuvres précédentes. La nouvelle comédie musicale était basée sur la pièce Liliom, avec un décor de carnaval et un fond hongrois. Le drame original avait été joué dans les années ‘30 et de nouveau en 1940, mettant en vedette Ingrid Bergman et Burgess Meredith à Broadway. Cette fois, la Theatre Guild voulait qu’il soit adapté en musical, mais cela a posé un problème avec l’auteur Ferenc Molnar. Il ne voulait pas que sa pièce de théâtre devienne un musical. Les directeurs de la Theatre Guild l’ont persuadé de venir voir Okalhoma!, et cela l’a fait changer d’avis - à condition que Rodgers et Hammerstein fassent eux-mêmes l’adaptation et ne changent pas l’esprit de la pièce.
Par contre, Rodgers et Hammerstein eux-mêmes n’étaient pas si sûrs du cadre, ou de l’intrigue d’ailleurs. Ils ont donc suggéré de sortir la pièce de Hongrie et de la placer en Nouvelle-Angleterre. Une fois que cela a été approuvé par l’auteur, ils ont conservé l’esprit original de la pièce, mais ont apporté de nombreux autres changements. Dans l’original, Liliom est une brute dans un carrousel qui a une liaison avec Julie, qui tombe enceinte. Il commet un vol pour obtenir de l’argent pour l’enfant et se tue plutôt que de se faire prendre. Seize ans plus tard, il est autorisé à revenir un jour sur Terre pour faire une bonne action pour sa fille désormais adolescente, Louise, qu'il n'a jamais rencontrée. S’il réussit, il pourra entrer au Ciel. Il échoue dans sa tentative et retourne au purgatoire.
Dans l’adaptation, toujours avec des chorégraphies d’Agnès de Mille, Liliom est transformé en un personnage plus sympathique, plus attachant, Billy Bigelow qui, cette fois, épouse Julie. Il se tue pour éviter d’être capturé et revient quinze ans plus tard. Il voit sa fille obtenir son diplôme et chante «You’ll Never Walk Alone». Puis il retourne au ciel. La fin plus douce a ravi le public de Broadway durant plus de 899 représentations. Mais le véritable succès du musical a sans aucun doute été la partition, qui, outre le sublime «You’ll Never Walk Alone» de Billy, comprenait « What’s the Use of Wond’rin » et « When the Children Are Asleep ». Le musical a également été un succès dans son adaptation cinématographique, qui mettait en vedette Gordon MacRae dans le rôle de Billy et Shirley Jones dans le rôle de Julie.
Après un semi-échec, Allegro (1947), vint South Pacific en 1949. Il est basé sur deux nouvelles de James Michener dans son livre Tales of the South Pacific, lauréat du prix Pulitzer. Cela permit également à Rodgers et Hammerstein de se voir décerner le Pulitzer Prize for Drama (1950), avec le co-scénariste Joshua Logan. Le spectacle a battu de justesse Kiss Me, Kate comme meilleur musical de l’année. Enfin, il a remporté dix Tony Awards. L’histoire se déroule dans le Pacifique Sud pendant la Seconde Guerre mondiale et traite d’une histoire d’amour entre l’enseigne Nellie Forbush, de Little Rock, Arkansas, et un planteur français d’âge moyen nommé Emile de Becque. Une histoire d’amour secondaire implique le jeune lieutenant Cable et son attirance pour Liat, fille de la polynésienne Bloody Mary.
Le musical avait deux atouts majeurs. L’un était les deux têtes d’affiche: Mary Martin avait fait des débuts brillants à Broadway dans Leave it to Me! de Cole Porter en 1938 mais s’en était allée à Hollywood pour jouer dans une dizaine de films pour la Paramount. Elle est revenue à Broadway pour South Pacific, pour créer le rôle de l’enseigne Nellie Forbush et a également emmené le spectacle à Londres. Mary Martin gagnera plus tard des Tonys pour Peter Pan (1954) et The Sound of Music (1959). Ezio Pinza (Emile de Becque) en était à sa deuxième carrière lorsqu’il a joué dans South Pacific. Né à Rome, en Italie, il a chanté à l’opéra La Scala de Milan et au Metropolitan Opera de New York au cours d’une longue carrière. Après sa retraite du Met en 1948, il a connu une nouvelle renommée en tant qu’Emile de Becque.
L’autre attraction principale était la partition, que le public a adoré. Les chansons sont parfaites pour l’intrigue : « Some Enchanted Evening », « Bali Ha’i », « Happy Talk », « I’m in Love with a Wonderful Guy », « Younger Than Springtime » et « Bloody Mary ». Un autre grand plaisir a été l’interprétation par Mary Martin de « I’m Gonna Wash That Man Right Outa My Hair ». Plus que la chanson elle-même, le public a été intrigué par ce que le lavage nocturne faisait au cuir chevelu de Martin. Martin avait les cheveux coupés très courts pour le rôle et portait également des turbans aux couleurs vives lorsqu’elle était hors scène.
Une chanson a provoqué des troubles politiques : l’interprétation de Cable de « You've Got to Be Taught» a fait l'objet de nombreuses critiques, jugé par certains comme trop controversé ou carrément inapproprié pour la scène musicale. La chanson est précédée d'une phrase disant que l’on ne nait pas raciste, on le devient: les gens apprennent les préjugés et les parents enseignent aux enfants quelles personnes haïr. Hammerstein a admis que la chanson était une protestation contre les préjugés raciaux. Les législateurs de Géorgie ont présenté un projet de loi condamnant les paroles comme anti-américaines, mais la chanson a survécu.
Comme nous le verrons, il y a bien sûr d’autres auteurs dans les années ’40, mais le Golden Age de cette période a été totalement dominée par le duo Rodgers et Hammerstein suite à la révolution Oklahoma!.